La Composición en la Fotografía – Parte IV

En esta última parte veremos una serie de elementos que también forman parte de la composición fotográfica como: el punto de vista, la perspectiva, el punto de fuga, las formas, el volumen, las texturas, el ritmo, el color, el pattern, el movimiento y el espacio negativo.

 

El punto de vista: la misma escena puede verse en imágenes muy distintas si se toma desde un punto de visto alto o bajo. Hay muchas imágenes tomadas a la altura de los ojos sin tener en cuenta otras alternativas. Si se utilizan puntos de vistas alternativos, los objetos mas comunes se ven de un modo totalmente diferente. Ésta es una de las principales formas en la que un fotógrafo puede estudiar un sujeto. Cambiar el punto de vista moviéndose de un lado al otro, permite crear yuxtaposiciones, que de otra manera podrían pasar desapercibidas. Según el punto de vista, el horizonte se puede situar más alto o más bajo dentro de la imagen.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

La perspectiva: aunque no es posible que dos arcenes paralelos de la carretera se encuentren en la distancia, al dibujarlos o pintarlos se les da la sensación de profundidad. Esto se denomina “perspectiva lineal”. El “punto de fuga” es, a su vez, el punto en la distancia donde parece que las líneas se juntan. La elección del punto de vista y de la longitud focal del objetivo son dos factores principales en la representación de la profundidad o la perspectiva en una fotografía.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

Las formas y el volumen: las formas son algo fundamental para crear el ritmo pero también pueden ser una de las claves para componer nuestra fotografía de paisajes. En una fotografía de paisaje, en un amanecer o un atardecer, el juego de las formas a contraluz, y más. Es decir, un foco de luz, un pequeño trozo de textura o una pincelada de color pueden resaltar una forma. Las formas que encontramos en el  mismo paisaje también pueden ayudarnos a componer lo que queremos, resaltando una parte particular de un paisaje en los puntos de interés. Para resaltar el motivo es conveniente buscar un contraste de tono y/o color entre el motivo y el fondo. También es conveniente simplificar la composición, buscar fondos uniformes y pocos colores muy marcados en la foto; evitar los fondos llenos de detalles que puedan distraer la atención. En general es más impactante una fotografía con pocos elementos y pocos colores muy contrastados que una fotografía con muchos elementos en los que ninguno resalta especialmente sobre el resto.

Las texturas: la vista y el tacto son dos sentidos que se hallan muy relacionados. Debido a esta fuerte conexión que desarrollamos en la infancia, la representación de la textura puede provocar, una fuerte respuesta emocional. En conceptos fotográficos, la palabra textura nos define la estructura de una superficie como áspera e irregular o suave y brillante. La luz, es la clave para fotografiar la textura. La textura pasa a ser otro personaje de la foto.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

 

El Ritmo: Se le llama ritmo a la repetición de líneas, formas, volúmenes, tonos y/o colores dentro de una imagen. Por lo general, dichas repeticiones producen una sensación agradable para el ojo humano. El ritmo llama la atención por si mismo y puede ayudarnos a estructurar la imagen. De hecho, en algunos casos, el ritmo puede llegar a convertirse en el tema principal de la fotografía. No obstante, hay que utilizar el ritmo con moderación. El abuso del ritmo puede hacernos caer en la monotonía y aburrimiento. Podemos resolver este problema podemos introducir un elemento que rompa la monotonía de la fotografía y aporte interés a nuestra imagen. El uso del ritmo como elemento secundario es muy recomendable y suele dar fantásticos resultados.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

 

El color:  es otro recurso que es muy importante a la hora de hacer la foto.  Cada color tiene unas cualidades distintas y no hacen reaccionar de una manera u otra. Existen dos tipos de colores, los cálidos y los fríos.

La fotografía es ante todo luz, luz y sombras de tal forma que una fotografía en blanco y negro puede perfectamente contarnos nuestro motivo. Claro está que para muchos tipos de fotografía el color es imprescindible. Otro ejemplo del uso del color es cuando queremos proporcionar a la foto información de calor o frío. Para ello en una foto donde predomine los rojos naranjas y amarillos estaremos proporcionando calidez, por contra, una foto con azules y violetas transmitirá frío. Esta tonalidad se puede ajustar en la foto con la temperatura de color o usando filtros de colores. Es importante antes de hacer la fotografía pensar si el recurso del color lo usaremos o no. También debes saber que en materia de colores hay que prestar atención también al contraste tonal. El contraste se define como la diferencia de luminosidad entre las partes más claras y más oscuras de la fotografía.

 

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

 

Efecto Pattern: el efecto pattern en la composición fotográfica es la repetición de elementos que conforman un conjunto de volúmenes que interactúan entre sí, para crear una imagen armoniosa. Este es uno de los momentos donde necesitamos emplear nuestro poder de observación, debemos ser capaces de crear un conjunto armónico en sus formas, distribución y colores, además de conseguir un encuadre apropiado y la iluminación justa que nos permita resaltar la individualidad de cada forma en el conjunto. Este efecto tiene gran poder visual. Es un tipo de fotografía que resulta fácil encontrar en la arquitectura (ladrillos, tejados, ventanas, etc), pero también lo podemos encontrar en la piel de los animales, la naturaleza y los objetos que se repiten cíclicamente.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

 

Ley del Movimiento: La ley de movimiento, consiste en dejar un espacio que simule la dirección que va a recorrer la persona u objeto en el ambiente que se encuentra. Es decir que cuando fotografiamos objetos móviles, es muy importante que los captemos entrando en la foto y nunca saliendo. Esta ley tiene una relación directa con la ley de la mirada.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

 

El espacio negativo: Toda composición fotográfica puede ser separada en tres elementos: el fotograma o cuadro, el espacio positivo y el espacio negativo.

  • El fotograma o cuadro es el área que delimita el tamaño de la fotografía
  • El espacio positivo es el sujeto enfocado de nuestra fotografía, aquello que en realidad hemos fotografiado
  • El espacio negativo es el espacio vacío que rodea al sujeto.

El espacio negativo es un elemento en la composición que nos ayuda a reforzar el tema de una fotografía, y por lo tanto, nos ayuda a obtener fotos estéticamente más bellas y con una composición más equilibrada, sin elementos que nos distraigan. La mejor forma de aprovechar el espacio negativo es combinarlo con la regla de los tercios.

Mercedes Fittipaldi fotógrafa

La Composición en la Fotografía – Parte III

 

En esta tercera parte hablaré sobre la Profundidad de campo, las reglas de oro, las líneas y la composición simétrica y asimétrica.

Profundidad de campo 

Es la distancia por delante y por detrás del plano enfocado que aparece con nitidez en una fotografía.

 

Hay 3 elementos que varían la profundidad de campo, y son:

1 – La Apertura del diafragma: a mayor apertura del diafragma menor profundidad de campo. Y menor apertura del diafragma mayor profundidad de campo,

2 – Distancia focal: De una lente es la distancia entre el centro óptico de la lente y el foco, donde se forma la imagen y determina el ángulo de visión. Los objetivos de las cámaras tienen una distancia focal fija o variable, dependiendo del tipo de objetivo. Al variar la distancia focal conseguimos un menor o mayor acercamiento. Es lo que comúnmente llamamos zoom.

3- Y la distancia real entre la cámara y el elemento fotografiado: cuando más cerca nos encontremos del objeto a fotografiar, menor será la profundidad de campo. Si estamos más lejos, mayor será la profundidad de campo.

Profundidad de campo

 

 

Reglas de oro en la composición fotográfica

Regla de los tercios: Es un método tradicional de los artistas para agrupar los elementos durante la composición de una fotografía. Para llevarla a cabo, debemos colocar el centro de interés principal cerca de las intersecciones de las líneas verticales y horizontales que dividen en tercios el largo y el ancho de la imagen. Tenemos 4 intersecciones que serán nuestras referencias para colocar los elementos en nuestra fotografía.

Regla de los tercios - guias

 

Mercedes Fittipaldi

 

Ley del Horizonte: En los paisajes no es recomendable colocar el horizonte en el centro del encuadre, para evitar la sensación de que la imagen está dividida en dos partes iguales. Así evitamos la simetría en la composición que, desde un punto de vista estético, puede resultar poco estimulante. Cuando queramos dar protagonismo al cielo, porque disponemos de atractivas nubes o amenazadores nubarrones se puede situar el horizonte en el tercio inferior y dar así protagonismo al cielo. Por el contrario, si el cielo carece de interés resulta más útil situar el horizonte en el tercio superior. Esta regla no es más que una simplificación de las proporciones de la sección áurea.

Ley del Horizonte

 

Mercedes Fittipaldi

 

Ley de la Mirada: El protagonista de la fotografía, debe de tener más espacio libre (”aire”) hacia donde mira que a sus espaldas, independientemente de la amplitud de lo abarcado en el encuadre de la toma.

Ley de la Mirada

 

Mercedes Fittipaldi fotografa

 

La sección áurea: es una división basada en la proporción del número áureo y se puede utilizar como método para disponer el elemento principal en la imagen o bien para dividir una composición en proporciones agradables. Tanto la elección del lugar donde se pone el horizonte como establecer el punto de interés o dividir un encuadre en proporciones agradables se puede hacer partiendo de esta relación.

Porción aurea - Mercedes Fittipaldi

 

Mercedes Fittipaldi

 

 

Las Líneas

La línea es uno de lo elementos gráficos más simples y a la vez más efectivos en la composición fotográfica.Las líneas guían la visión, centran la atención sobre el motivo principal, indican dirección y distancia, sugieren situaciones estáticas o dinámicas, transmiten sensación de estabilidad o desequilibrio, crean sensación de profundidad y ritmo visual.

 

  • Líneas Horizontales: La disposición horizontal de nuestros propios ojos hacen agradables a nuestra vista las imágenes apaisadas o con un formato horizontal, los ojos exploran de lado a lado más fácilmente. De esta misma manera las líneas horizontales transmiten una sensación agradable, tranquila… Nuestros ojos las interpretan como base y dan impresión de estabilidad y peso. La impresión de tranquilidad y calma resta dinamismo y potencia la sensación estática de la imagen.

 

Mercedes Fittipaldi - Las líneas

 

  • Líneas Verticales: son más conflictivas que las horizontales, puesto que obliga a un recorrido visual de arriba hacia abajo o de abajo hacia arriba, mas forzado que el recorrido horizontal. A veces dan sensación de velocidad.

Mercedes Fittipaldi

 

  • Líneas diagonales: estas expresan mayor dinamismo, tensión. Estas se desplazan de un ángulo a otro en la composición y da un efecto más atractivo sobre la visión del espectador.

Mercedes Fittipaldi

 

  • Curva: Las líneas curvas en general crean una sensación de fluidez en la imagen y son líneas más dinámicas. También son agradables a la vista ya que son más suaves y pueden evocar sensualidad, elegancia y belleza. Las curvas en S (como su nombre lo indica es una línea que forma una S o se parece a una S) parecen tener un efecto casi hipnótico en los espectadores. La mirada del espectador se ve casi obligada a seguir estas curvas. Es por eso que son un fuerte elemento de composición y es raro que una foto que tenga una curva en S no sea una buena foto.

Mercedes Fittipaldi

 

 

Asimetría y Simetría

Composición Simétrica: Una composición es simétrica cuando el peso visual de los elementos está repartido de modo equivalente con respecto a uno de los ejes principales, vertical u horizontal. La composición simétrica es sencilla y formal; pero en ocasiones demasiado mecánica.En la Composición Simétrica la imagen resulta agradable si los motivos situados a ambos lados del eje de simetría tienen el mismo peso visual.

 

Mercedes Fittipaldi

 

Composición Asimétrica: Una composición asimétrica es aquella en la que una parte pesa más que las otras. Las composiciones asimétricas suelen ser más llamativas y ofrecer mejores resultados que las simétricas.

Algunas razones son:

  • La asimetría permite más libertad de composición y organizar jerárquicamente los elementos.
  • Permite establecer juegos de equilibrio entre la parte destacada y el resto de la composición.
  •  Las composiciones simétricas tienden a la monotonía. Las asimétricas suelen despertar más el interés del espectador.

 

Mercedes Fittipaldi fotografa

 

 

 

 

La Composición en la Fotografía – Parte II

 

En esta 2ª parte veremos algunos de los elementos que se utilizan a la hora de componer una fotografía.

Lo que debemos tener en cuenta es que si bien es posible captar imágenes llamativas sin pensarlo demasiado, por lo general aquello que tanto admiramos es fruto de un proceso de “maduración fotográfica”.

El centro de interés: la elección del centro de interés es la primera regla en la composición fotográfica, ya que es lo más importante. Es necesario comprender que dentro de la imagen no todos los elementos tienen la misma importancia. El fotógrafo debe lograr encontrar ese punto para que al mirar la fotografía nuestro ojo se dirija a ese punto. No hay nada más frustrante que una foto que no tiene interés visual, no utilizar una composición correcta, rellenar con elementos que no aportan nada, hará que nuestra fotografía no sea capaz de retener las miradas y por lo tanto dejará de interesarnos ya que lo que vemos no tiene ninguna fuerza visual.

 

El encuadre: el ojo humano observa el espacio sin límites, pero la visión a través de una cámara, esta limitado por cuatro lados. Por lo tanto es necesario elegir lo que se quiere incluir y lo que vamos a excluir de nuestro marco fotográfico, es decir que debemos seleccionar los objetos que queremos que aparezcan el la fotografía.

Otra factor importante es la elección del formato del encuadre.

Encuadre Horizontal: es un formato sólido. Da la sensación de estabilidad y de ser difícil de volcar. La mirada puede pasearse de un lado a otro, así como penetrar en la imagen, en la profundidad.

Encuadre Vertical: este encuadre transmite una sensación diferente que el horizontal. La mirada no se puede mover con facilidad, no tiene profundidad.

Encuadre simple: Podemos añadir un elemento extra en una composición, encuadrando el tema principal dentro de una forma del primer plano o del fondo. Un buen procedimiento, es disparar nuestra cámara a través de una ventana o similar, lo que aumenta la profundidad y el equilibrio de la composición, llegando a eliminar detalles innecesarios y cubrir cielos o primeros planos vacíos.

Otra forma o posibilidad, sería colocar el elemento principal en el primer plano de forma que, exponiendo para un fondo mucho más luminoso se forme una silueta. Estos encuadres, suelen exigir unos cuidados de alineación entre un primer plano y el fondo.

Encuadre compuesto: Este tipo de encuadre fotográfico, trata de ilustrar una imagen dentro de otra. Es decir, en la misma composición un elemento se encuadra con otro dentro de la misma fotografía, haciéndola destacar dentro de la misma.

Encuadre inclinado:transmite dinamismo, fuerza e inquietud y suele utilizarse como recurso ocasional para resaltar estas cualidades en el motivo de la fotografía.

 

Los Planos

La selección del tipo de plano que usaremos depende principalmente de la información que queramos mostrar, lo cual será determinante en las emociones que transmitiremos con nuestra foto.

Decimos que un plano es más abierto cuanto más ángulo de visión abarca. Por el contrario, uno cerrado será aquel que muestra partes concretas de una escena o detalles, es decir, poco ángulo. Del mismo modo decimos “abrir el plano” o “cerrar el plano”.

Plano general: Abarca todos los elementos de una escena. Si se trata de una persona o un grupo de ellas, nos permitirá que los veamos enteros. Muestra todos algo al completo.

Plano americano: Muestra la figura humana desde arriba de las rodillas.

Plano medio: Muestra el cuerpo a partir de la cintura.

Plano medio corto: consiste en mostrar a la persona desde la cabeza hasta la mitad del pecho. La idea de este tipo de plano es enfocar la atención exclusivamente en la persona aislándola de su entorno.

Primer plano: Se emplea generalmente para destacar la mirada o el gesto de una persona, y el encuadre va desde la cabeza hasta los hombros. Es el más indicado para el retrato del rostro, ya que, destaca los detalles. Suelen usarse encuadres verticales, aunque esto no es una regla estricta.

Primerísimo primer plano: Este tipo de plano es mucho más agresivo e íntimo que los anteriores. Se logra encuadrando desde la cabeza (cortando por el medio o por encima de la frente) hasta la punta del mentón. Hay que cuidar mucho los detalles en este tipo de plano, controlar el enfoque y la profundidad de campo es primordial, de lo contrario se puede estropear la captura.

Plano detalle: Se emplea para destacar elementos específicos, con este tipo de plano se pueden lograr encuadres creativos y originales, requiere de mucha capacidad de observación por parte del fotógrafo. En este tipo de plano el acercamiento se maximiza para enfatizar ciertos elementos que de otra manera podrían pasar desapercibidos. No se debe confundir con fotografía macro.

 

 

Ángulo de la toma: esto significa desde que angulo vamos a observar lo que vayamos a fotografiar. Una simple variante del ángulo de visión puede producir un mensaje completamente diferente. Un paso hacia delante, al costado, subirnos a una silla… etc, puede transformar el mensaje que queremos dar.

  • Ángulo paralelo: es cuando colocamos la cámara en posición paralela al sujeto, es decir, ubicándola aproximadamente a la mitad de distancia entre la cabeza y los pies.

 

  • El picado consiste en fotografiar un motivo desde arriba hacia abajo y ayuda a destacar la pequeñez de ciertos objetos, ya que proporciona un punto de vista de superioridad.

Al mismo tiempo es contraproducente en general su uso en fotografía de personas (especialmente niños) o animales, precisamente porque ayuda a verlos como inferiores, les resta importancia y, además, si se fotografía de cerca puede deformar las proporciones de la cabeza con respecto al cuerpo.

 

El cenital es cuando la imagen se toma en un ángulo totalmente perpendicular (de arriba hacia abajo) con respecto al suelo, es decir, a 90º.

 

El contrapicado es la perspectiva contraria al picado, es decir, consiste en fotografiar un motivo desde abajo hacia arriba y ayuda a resaltar la grandiosidad de un elemento. Se suele utilizar para fotografiar edificios o monumento y también deforma la perspectiva acentuándose este efecto cuanto más cerca se esté del motivo.

 

El nadir: este ángulo es el opuesto al cenital. Este ángulo no favorece a las personas, pero si es muy utilizado en arquitectura

 

La toma a ras consiste en sacar la fotografía a ras de suelo objeto y ayuda a sorprender al espectador con imágenes que un ser humano no acostumbra a ver, ya que no se suele colocar en ese nivel de visión. Este ángulo se suele utilizar para fotografiar motivos pequeños en su entorno natural a los que no préstamos habitualmente mucha atención.

 

 

 

 

 

 

 

 

 

 

La Composición en la Fotografía – Parte I

 

La composición en la fotografía es la forma en que se ordenan los objetos y o figuras dentro del encuadre.

La composición es un tema complejo y no se debe dejar nada al azar. Como regla principal se debe aprender a mirar, a ser muy observador para que luego a la hora de componer una fotografía el resultado sea armonioso y este estéticamente equilibrado.

La composición implica toda la creación de la imagen. Componer una fotografía es crear. El proceso comienza con la valoración y el estudio del motivo, continua con la selección y el análisis y termina cuando la mirada del observador se posa sobre la imagen terminada.

Todo en una imagen conforma su “composición”. Aprender a componer es como aprender un a lengua. Una vez que se ha aprendido un idioma, lo hablamos sin pensar.

El objetivo del fotógrafo es llegar a dominar el lenguaje de la composición.

La composición es un procedimiento estructurado, pero cuando nos hemos acostumbrado a ella resulta fluida y se aplica de forma natural.

Para componer correctamente debemos conocer varios elementos que jugaran un papel importante en el resultado de nuestra fotografía final debemos llegar a obtener una imagen con fuerza visual.

Simplificar, es una parte esencial de la composición, eliminar los elementos visuales que recargan la imagen permitirá que solo queden los elementos más importantes que después se podrán organizar para crear una imagen con una buena composición.

Hay unas series de reglas que se deben aplicar para realizar una buena composición, pero también hay que aprender a desarrollar nuestra visión fotográfica, basada en la experiencia y en el conocimiento de ciertas normas.

Por lo que es necesario y útil conocer los principios básicos de la composición para mejorar nuestras fotografías.

El arte de componer está en saber no sólo cómo colocar los objetos, sino qué elementos añadir y qué elementos dejar de lado. Esto es muy importante, ya que nos puede ayudar a situar una imagen dentro de un contexto u otro.

Los elementos a tener en cuenta a la hora de componer una fotografía son:

El centro de interés

El encuadre

El formato

Los planos

Ángulo de la toma

Profundidad de campo

Ley de los tercios

Ley del horizonte

Ley de la mirada

La sección áurea

Las líneas

La simetría y la asimetría

Las formas

El volumen

Las curvas

El pattern

Las texturas

El equilibrio

El color

El ritmo

Relación figura-fondo

El punto de vista

La perspectiva

Tono

El espacio

El ritmo

El movimiento

La iluminación

El enmarco natural

 

En el próximo captítulo explicaré cada uno de los elementos detallados.